Smilet, den hverdagslige gesten vi gjør uten å tenke, har vært en skikkelig hodepine for kunsten i århundrer. Hvis vi i dag forbinder smil med nærhet, lykke eller til og med vennlighet, forteller museer oss en helt annen historie.En rask spasertur gjennom et hvilket som helst galleri er nok til å bekrefte at normen har vært alvorlige, høytidelige og til og med noe fjerne ansikter.
Men når et smil dukker opp i et maleri, en skulptur eller et fotografi, Det blir en visuell gåte som fanger blikket og reiser spørsmål.Hvorfor smiler nesten ingen på gamle portretter? Hvorfor fascinerer Mona Lisas smil fortsatt århundrer senere? Hva har endret seg som gjør at vi stadig poserer og viser tennene i hvert bilde vi laster opp på sosiale medier?
Et møte med kunst og smil: fra Kutxa Kultur til portretthistorien
I kulturelle rom som Kutxa Kultur, i Ruiz Balerdi-rommet, reises nettopp disse spørsmålene: Hvorfor et enkelt smil på et malt ansikt kan ryste hele fantasien vår og avsløre et mysterium som har fulgt oss siden sivilisasjonens opprinnelse. Refleksjonen er tydelig: i århundrer var smilet nærmest en sjeldenhet i vestlig portrettkunst, noe som tiltrakk seg mer oppmerksomhet for sitt fravær enn for sin tilstedeværelse.
De eldste representasjonene av smilende ansikter dukker opp i så fjerne kontekster som Mesopotamia, det gamle Egypt, etruskisk kultur eller Bilder av Buddha i Asia. I de tidlige sivilisasjonene var en svak krølling av leppene nok til å antyde liv, ro eller en viss indre energi.Men, ved ankomst kl. Kristen kunst i VestenTonen endres radikalt: ansiktene blir strenge, hieratiske, og smilet forsvinner praktisk talt fra repertoaret i århundrer.
Det var ikke før gotisk kunst, godt ut på 1100-tallet, at figurene i skulpturer og malerier begynte å gjenvinne et varmere uttrykk. Denne beskjedne tilbakekomsten av det gotiske smilet står i kontrast til den enorme rigiditeten i romansk stil og høytideligheten i den klassiske arven., og åpner døren til en kunst som er nærmere menneskelig erfaring, mer oppmerksom på emosjonelle nyanser.
I mellomtiden, i hverdagen, er smilet fortsatt en av de kraftigste emosjonelle ressursene vi har: Det er en umiddelbar måte å formidle glede, kameratskap og velvilje overfor andre.Å smile skaper forbindelse, bryter ned barrierer og menneskeliggjør oss på en eller annen måte i hverandres øyne.
Derfor er det ikke en overdrivelse å si at smiling er en slags intim og universell kunst: en fri kunst, alltid tilgjengelig, som identifiserer oss og setter spor hos den som mottar den.Akkurat som et mesterverk som henger på et museum, kan et minneverdig smil forbli etset inn i minnet ditt i årevis.
Å smile som en hverdagskunst og som en personlig «juvel»
Hvis vi tenker oss om et øyeblikk, Hver person bærer med seg et unikt lite «kunstverk»: sitt eget smilDen trenger ikke forgylte rammer, museer eller utstillingsmontre. Den dukker opp på et øyeblikk, forvandles i henhold til konteksten og følger eieren sin uansett hvor de går. Og i motsetning til materielle smykker koster den ingenting og ser like bra ut, om ikke bedre.
Denne ideen om smilet som en tilgjengelig luksus forklarer hvorfor vi ofte «forelsker oss» i noens uttrykk selv før vi kjenner dem godt. Det finnes smil som glitrer fordi de ser ut til å omfavne deg, fordi de avslører gode ting om personen som tilbyr dem. Og fordi de, i likhet med store kunstverk, ser ut til å ha sitt eget liv.
Til syvende og sist er det å nyte smilet vårt og dele det nesten som å gi bort kunst til verden. Hver snill gest, hver delte latter, blir en liten kreativ handling som forbedrer miljøet.Og det merkelige er at til tross for den hverdagslige kraften, finner vi langt færre smil enn man skulle forvente når vi ser på kunsthistorien.
Faktisk, hvis vi tenker på berømte smil i malerier, er det svært få som kommer til tankene. Den mest berømte er uten tvil Leonardo da Vincis Mona Lisa.som har blitt det store ikonet for det gåtefulle smilet. Derfra er det vanskelig å huske mange like sterke eksempler.
Selv i moderne illustrasjoner, som i visse malerier av Jason Brooks, brukes smilet som et stilistisk, moteriktig element, men det oppnår sjelden den symbolske og nesten filosofiske tyngden vi finner i verk som Mona Lisa. Gapet mellom overfloden av smil i virkeligheten og mangelen på dem på museer er mildt sagt slående..
Mona Lisa og gåten om et smil som dukker opp og forsvinner
Mona Lisas smil er sannsynligvis det mest analyserte og omtalte tilfellet i kunsthistorien. Leonardo da Vinci arbeidet med et svært subtilt samspill mellom skygger og glasurer for å konstruere et uttrykk som ikke er fastlåst, men som stadig endrer seg foran øynene våre.Noen sier at hvis vi ser direkte på munnen, ser det ut til at smilet forsvinner; hvis vi flytter blikket mot øynene eller landskapets bakgrunn, dukker det forsiktig opp igjen.
Nevrologiske studier, slik som de som ble utført av en gruppe østerrikske spesialister, tyder nettopp på at: Oppfatningen av Mona Lisas smil varierer avhengig av hvor i maleriet vi fokuserer blikket vårt.Våre sinn tolker nyansene av lys og skygge forskjellig, og det gjør at det vi ser stadig forandrer seg.
For å forsterke den tvetydigheten leker Leonardo med veldig myk belysning rundt munnen og kinnene. Mangelen på harde konturer og den gradvise overgangen mellom lys og skygge skaper et ekstremt ustabilt uttrykkVi er ikke sikre på om Lisa Gherardini virkelig smiler, undertrykker en latter, eller bare opprettholder et nøytralt uttrykk.
Over tid har det dukket opp alle slags teorier for å forklare denne gesten. Noen peker på medisinske problemer, som mulige skjoldbruskkjertelproblemer som påvirker ansiktsmusklene; andre snakker om humør, morsrollen, sorg eller til og med skjulte symbolske budskap. Ingen hypotese har klart å løse mysteriet definitivt, og kanskje er det en del av sjarmen..
Uansett oppsummerer Mona Lisa perfekt en sentral idé: Et malt smil er ikke bare en hyggelig gest, men en utløser for spørsmål om identitet, tid, blikket og selve portrettets natur.Det er derfor berømmelsen har vokst siden 1800-tallet, noe som gjør den til det mest berømte smilet i vestlig kunst.
De første smilende ansiktene: fra gamle figurer til det «arkaiske smilet»
Hvis vi går mye lenger tilbake i tid, oppdager vi noe overraskende: De første klart definerte ansiktene som dukker opp i kunsthistorien viser ofte et smilI den paleolitiske perioden har mange kvinnelige figurer – de velkjente Venus-figurene – knapt noen ansiktstrekk; i hulemalerier eller kykladiske skulpturer er det vanligste trekket en skjematisk nese og lite annet.
Kunsthistorikeren Ernst Gombrich, som viste til den såkalte Toepffer-loven, minnet om at Enhver minimal kombinasjon av streker som ligner et ansikt, får umiddelbart uttrykksevne.Hvis vi tegner to prikker og en buet linje på et ark, er det umulig å ikke føle at et slags ansikt, uansett hvor grovt det er, «ser» på oss. Og faktisk nøler mange med å stryke over eller ødelegge det improviserte ansiktet, som om det allerede hadde et glimt av liv.
I store deler av forhistorien unngikk kunstnere den risikoen: Tusenvis av år gikk med dem som avbildet kropper, jaktscener eller symboler uten å ta seg friheten til å definere øyne og munner.Det er anslått at mennesker har eksistert i omtrent to millioner år, at de første kunstneriske uttrykkene er omtrent 25 000 år gamle, men at ansiktene i seg selv – med komplette trekk – ikke dukket opp før for omtrent 5.000 år siden.
Og når disse ansiktene ankommer, på steder som Sumer, Akkad, Egypt, Kreta, Mykene, det arkaiske Hellas, den iberiske verden eller den etruskiske verden, Figurer med et lett tegnet smil florererDet handler ikke nødvendigvis om glede i moderne forstand, men snarere en visuell ressurs for å lysne opp ansiktet og forhindre at det ser sint eller truende ut.
I kunsthistorien er denne gesten kjent som et «arkaisk smil». Det er ikke en naturalistisk grimase, men en konvensjon som bringer liv og menneskelighet til skulptur eller maleri.Gombrich påpekte at dette faste, frosne smilet er et tvetydig, mangefasettert tegn, men enormt effektivt til å antyde at figuren er "levende".
Interessant nok, når små barn begynner å tegne, har de en tendens til å gjenta den samme formelen: Alle figurene deres ser smilende ut, som om det glade uttrykket var standardalternativet.Kanskje det er derfor disse eldgamle smilene, uansett hvor skjematiske de måtte være, er så spennende for oss i dag: de er som en hilsen fra menneskehetens begynnelse, da verden fortsatt ble skapt.
Fra smil til høytidelighet: Det klassiske Hellas, Roma og den kristne verden
Over tid viker den innledende visuelle entusiasmen for en mer seriøs og konseptuell kunst. I det klassiske Hellas forsvant praktisk talt det arkaiske smilet til fordel for rolige, beherskede og fremfor alt idealiserte ansikter.Skulpturene forsøker ikke lenger å representere en spesifikk person, men snarere en kanon, en idé om perfeksjon.
El Doryforos Polyklitos er et godt eksempel: Vi ser ikke et individ, men en matematisk modell av menneskekroppen.en slags plastisk demonstrasjon av proporsjoner og mål. Dette kallet etter perfeksjon distanserer figuren fra hverdagslige følelser; glede, for eksempel, anses som for triviell for helter og idrettsutøvere som er opphøyet til status som halvguder.
Det samme gjelder verk som Auriga av Delfi eller Discobolus av Myron: Ansiktene deres er alvorlige, fokuserte, nesten fjerne.Skulpturen hyller seier, styrke og verdighet, ikke spontan glede. I denne sammenhengen oppfattes et smil som en upassende gest for å uttrykke storhet.
Når tilliten til menneskeheten som målestokk for alle ting begynner å smuldre opp – på grunn av borgerkriger, politiske kriser og filosofiske feil – vil gresk kunst igjen begynne å innlemme en mer skjør menneskelighet; men den generelle trenden mot alvor er allerede veletablert.
Romerne arvet denne preferansen for høytid, og la til sin smak for pomp og prakt. I keiserlige eller aristokratiske portretter er det autoritet, makt og majestet som råder.Selv om hverdagslige og komiske elementer kan dukke opp i relieffer, mosaikker og sjangerscener, forblir ansiktene til offisiell representasjon strenge.
Med kristendommens utbredelse forsvinner ikke den klassiske arven, den forvandles. I århundrer forble den visuelle referansemodellen den romerske.Verken barbarfolkene eller islam bidro i sine tidlige stadier med et system for skulpturell eller billedlig representasjon som fullstendig erstattet disse ordningene; derfor fortsatte alvoret i ansiktene.
Selv ikke romansk kunst, med all sin uttrykkskraft, bryter denne dynamikken fullstendig. Kristus i majestet, jomfruene og de romanske helgenene opprettholder en høytidelig, frontal, hieratisk gestPå et filosofisk nivå presser også platonismens innflytelse i den retningen: det som er viktig er den ideelle, perfekte verden, plassert utenfor vår sansbare virkelighet, som er redusert til en slags skygge.
I denne forstand kan man si at i kunsten, Platonisme forbindes ofte med alvor, mens mer realistiske og vitalistiske strømninger ligger nærmere Aristoteles' ånd.Når oppmerksomheten vender seg mot konkrete erfaringer, mot naturen og menneskelige følelser, finner smil mer rom for å vende tilbake.
Gotisk og smilets korte tilbakekomst
Midt i middelalderen falt gjenoppdagelsen av Aristoteles sammen med en dyp endring i det europeiske samfunnet. Byer gjenopplives, veier fylles med reisende, økonomien reaktiveres, og nye former for spiritualitet dukker opp som er nærmere hverdagsverdenen.Fransiskanere som Frans av Assisi snakker om solen, månen, dyrene og naturen som brødre som speiler Guds ansikt.
I dette klimaet med fornyet interesse for det jordiske livet introduserte gotisk kunst et bemerkelsesverdig skifte i representasjonen av ansikter. Figurene begynner å skissere myke, menneskelige smil, og beveger seg bort fra den rigiditet som finnes i romansk kunst.Jomfruer med barn, engler og figurer på portaler og kapitæler viser nærmere, mer ømme og til og med lekne uttrykk.
Gotisk arkitektur, med sin organiske vertikalitet og sitt samspill mellom spenninger og balanser, antyder også en mer dynamisk og vital verden. Det er som om selve katedralenes struktur ledsaget denne oppvåkningen av visuell glede.Smilene fra den gotiske perioden er ikke støyende, men de markerer en klar forskjell fra tidligere perioder.
Dette lyse øyeblikket vil imidlertid ikke vare lenge. De dype krisene på 1300-tallet – kriger, epidemier, hungersnød – formørker horisonten Og de setter sitt preg på kunsten, som får en mer dyster og bekymret tone. Smil blir sjeldne igjen.
Renessanse: sødme, gåte og tilbakekomsten til tyngdekraften
Renessansen var full av ambisjoner: Mennesker ønsker å gjenerobre sin sentrale rolle som målestokk for alle ting.henter nok en gang inspirasjon fra den klassiske antikken. I den tidlige Quattrocento-stilen finner vi fortsatt mange delikate smil, spesielt i den søtere stilen til kunstnere som Filippo Lippi eller Sandro Botticelli.
I disse verkene viser jomfruer, engler og unge aristokrater milde gester, midt mellom ro og diskret lykke. Det er en behersket, elegant glede som skyr støyende latter, men som ikke gir avkall på en viss varme.Denne trenden er imidlertid gradvis i ferd med å avta.
Leonardo da Vinci er et spesielt tilfelle: Når han beveger seg bort fra den geometriske rasjonalismen i studiene av anatomi og proporsjoner, gir han oss noen av de mest berømte smilene i historien.Foruten Mona Lisa, har vi Cecilia Galleranis uttrykk i Dame med hermelin eller det fortryllende smilet til Madonna Benois.
Rafael, på sin side, holdt også de lysende smilene i live i mange av portrettene og madonnaene sine, til tross for senere kritikk fra prerafaelittene. Figurene hennes utstråler ynde, tilgjengelighet og en stille glede. som knytter seg til den beste renessansetradisjonen.
Med Michelangelo endres tonen drastisk. Hans idealisme, forankret i den neoplatonske tradisjonen, fører til monumentale, spente karakterer, oppslukt av store ideer snarere enn umiddelbare følelser.Hans jomfruer, profeter og helter smiler sjelden; de er fanget i et slags indre drama som ikke gir rom for en avslappet gest.
Manieristene som fulgte i hans fotspor tok denne høytideligheten til et enda mer gåtefullt territorium. I verk som Madonna med den lange halsen I Parmigianinos verk kan smilene som dukker opp være urovekkende., nesten malplassert, blant langstrakte og kunstige komposisjoner der sjarmerende ansikter sameksisterer med uttrykk av frykt eller raseri.
Fra barokken til 1800-tallet: høytidelighet, unntak og mentalitetsendringer
Overgangen til barokkstilen løste ikke «problemet» med smil i formelle portretter. Barokkreligiøsitet er intens og emosjonell, men den vektlegger ofte lidelse, mystisk ekstase eller guddommelig storhet.Snarere enn enkel, grei glede, dukker det opp smil – og Murillo er et godt eksempel – men mye tydeligere i scener fra hverdagslivet og gatebarn enn i skildringer av helgener og jomfruer.
På 1600-tallet, blant den europeiske eliten, Et bredt smil som viste tennene ble ofte assosiert med de lavere klassene, gjøglere, skuespillere eller drankere.Denne ideen gjenspeiles i verk som Bacchus' triumf av Velázquez, hvor latter er knyttet til populære karakterer og situasjoner med uraffinert feiring.
I den nederlandske barokken åpner interessen for hverdagslivet for mer rom for latter. Malere som Gerrit van Honthorst i verk som Den fortapte sønnen...eller til og med Rembrandt i noen av sine "spottende" selvportretter, tør å skildre ekte latterDisse maleriene har blitt sammenlignet med våre nåværende selfier på grunn av deres spontanitet i gestene.
En annen interessant faktor er munnhygiene. Frem til 1700-tallet var skadede tenner normen.Spesielt blant de som hadde råd til et portrett, ble det å vise tennene ansett som ganske upassende. Historikeren Colin Jones påpeker at med den gradvise forbedringen innen tannpleie, begynte det å vise tennene å bli sett på som en ny måte å uttrykke følsomhet og raffinement på.
I denne sammenhengen, malerier som Selvportrett med datteren sin av Marie Louise Élisabeth Vigée-Lebrun, malt i 1786, er nærmest revolusjonerende. Maleren vises med et mildt smil, tennene knapt synlige, i et ømt og moderlig bilde. som bryter med århundrer med tilbakeholdne gester i aristokratisk portrettkunst.
Likevel, hvis vi ser på nyklassisismen som en helhet, Romantikken og mye av realismen fra 1800-tallet, Vi fortsetter å finne et overveldende flertall av seriøse ansikterVekten av verdig, heroisk eller introspektiv representasjon fortsetter å dominere scenen, mens åpenhjertig latter forblir reservert for sjangerscener, karikaturer eller satiriske illustrasjoner.
Rokokko, impresjonisme og de første antydningene til letthet
Det er to viktige øyeblikk der smilet gjenvinner en viss fremtredende rolle: rokokkoen og impresjonismen. I rokokkoperioden ble aristokratiet fremstilt i intime, galante og noe useriøse omgivelser.Og de lette smilene blir en del av det visuelle forføringsspillet. Det er ikke dype latterutbrudd, men snarere glitrende, nesten sprudlende uttrykk.
Impresjonismen, på sin side, ser mot det moderne liv, kafeer, turer, danser og fritid. I noen scener dukker det opp spontan latter og smil, fanget med et raskt penselstrøk.Glede er imidlertid vanligvis kortvarig, flyktig, i tråd med et samfunn som begynner å oppleve den flyktige naturen til bylivet.
I samtidskunsten fra det 20. århundre blir smilet mer problematisk. Picasso, for eksempel, bruker nesten aldri det åpne smilet, ikke engang i sine mest livlige malerier.Følelser blir fragmentert, forvrengt og analysert fra flere synsvinkler, men de oversettes sjelden til en klar og lysende gest som et ekte smil.
I popkunsten florerer smil, men de gjør det som en del av reklamespråket. Kvinneansikter med perfekte smil ser nesten plastifiserte ut.gjentas som om de var supermarkedemballasje. Glede forvandles til et produkt, til noe mistenkelig ensartet.
Andre kunstnere, som Willem de Kooning med sine Kvinne IDe bruker et smil til det stikk motsatte formålet: forvandle det til en voldsom, nesten demonisk grimasenoe som undergraver det klassiske idealet om den milde Venus. I maleriene hennes er ikke smilet et tegn på sødme, men et foruroligende uttrykk for utløst kraft.
Fotografi: fra første alvor til det allestedsnærværende smilet
Fotografiets ankomst førte til en revolusjon i måten ansikter ble representert på, men Forholdet til smilet endret seg ikke umiddelbart.De første fotografiene fra 1800-tallet viser nesten alltid alvorlige ansikter, som forsøker den samme høytideligheten som de malte portrettene.
Det sies ofte at skylden lå hos de lange eksponeringstidene, som gjorde det vanskelig å opprettholde et stabilt smil uten at det ble forvrengt. Selv om den tekniske faktoren spilte en rolle, er sannheten at selv da kameraene ble bedre, fortsatte folk å posere med alvorlige ansiktsuttrykk.Referansepunktet forble oljeportrettet: et bilde designet for ettertiden, ikke for å udødeliggjøre et øyeblikk med moro.
I den sammenhengen smilende figurer som hovedpersonen på fotografiet Spiser ris, KinaFotografiene, tatt i 1904 under en ekspedisjon av Berthold Laufer, er sanne sjeldenheter. Der ser vi en kinesisk mann som smiler uten hemninger, kanskje fordi fotografens mål var å fange hverdagslivet. og ikke å konstruere et høytidelig bilde av seg selv.
Over tid ble fotografering billigere, mer demokratisk og slått sammen med reklame. Bedrifter oppdager kraften et smil har til å selge lykke, tillit og velvære.Og bilder av smilende mennesker blir en standard i massekommunikasjon.
I løpet av de siste tiårene har sosiale medier tatt dette fenomenet enda lenger. Vi delte bilder etter hverandre, nesten alltid smilende, som om smilende hadde blitt en obligatorisk kode for å vise at «alt er bra».Et smil er ikke lenger bare en spontan gest: det er også et verktøy for selvpresentasjon og personlig markedsføring.
Tvungne smil, grimaser og vanskeligheten med å smile «på ordentlig»
Interessant nok eksisterer denne overfloden av digitale smil samtidig med store vanskeligheter med å vise et autentisk smil foran et kamera. Når noen ber oss om å «smile» for et bilde, er det ikke alltid lett.Triks som den klassiske «si potet» eller den berømte «se på fuglen» fra analog fotografering dukker opp, ment å fremkalle en mindre rigid gest.
I dag velger mange å lage morsomme grimaser, strekke ut tungen eller gjøre gesten med å legge to fingre ved siden av øynene. De er masker for å unngå svimmelheten ved å tilby et oppriktig smil, som avslører oss på en måte som er mer dyptgripende enn det ser ut til.
Historisk sett har noe lignende skjedd med kunst. Å fremstille et overbevisende smil krever enorm teknisk dyktighet og stor psykologisk empati.En liten glipp i munnvikene, i musklene rundt øynene eller i spenningen i nakken kan forvandle et varmt uttrykk til en merkelig grimase.
Derfor har mange kunstnere foretrukket å spille det trygt og velge alvor. Et seriøst ansikt kan tolkes som rolig, verdig og fokusert; et dårlig utført smil kan derimot virke latterlig, hånlig eller rett og slett urovekkende.Og det er selvfølgelig ikke det bildet noen velstående ville ønske å testamentere til ettertiden på et lerret.
I samtidskunsten har noen skapere tilegnet seg dette ubehaget og tatt det til det ekstreme. Den kinesiske kunstneren Yue Minjun, for eksempel, fremstiller seg selv stadig med overdrevne, nesten hysteriske smil.Figurene hans, som tilsynelatende ler høyt, skjuler faktisk en voldsom kritikk av den politiske og sosiale situasjonen i landet hans.
Sett gjennom århundrene, Smilet i kunsten har ofte vært ukomfortabelt territorium, en risikabel ressurs som få har våget å utforske i dybden.Fra arkaiske smil til Mona Lisa, som passerer gjennom rokokkoens lette uttrykk eller popkunstens og kinesisk kynisk realismes grimaser, har denne tilsynelatende enkle gesten tjent til å uttrykke liv, gåte, kraft, ironi eller kritikk.
Alt tyder på at smilet, både i kunsten og i hverdagen, fortsatt er en av de mest komplekse måtene å vise hvem vi er. Kanskje det er derfor de få virkelig minneverdige smilene vi finner på museer fortsetter å fascinere oss så mye: fordi de kondenserer, i en liten bevegelse av leppene, all vanskeligheten med å være i verden med glede, enkelhet og menneskelighet..
