Arbeidet til Leiko Ikemura Det synes å komme fra et rom mellom drøm, minne og landskap. Figurene og horisontene representerer ikke bare det vi ser; de aktiverer en slags indre vibrasjon, en følelse av konstant forandring, som om alt var i ferd med å forvandles. I maleriene, tegningene og skulpturene oppløses menneskekroppen i fjell, hav og himmel, og plante- og dyreverdenen smelter sammen til hybride skapninger som visker ut eventuelle rigide grenser mellom natur og menneskehet.
Denne japanske kunstneren, som har bodd i Europa i flere tiår, har bygget sitt eget visuelle språk der elementer blandes Østlig tradisjon, moderne vestlig følsomhet og en dyp økologisk og åndelig bevissthetHennes animistiske landskap, jentene i metamorfose og skulpturene av beskyttende kaniner taler til oss om morsrollen, sorg, omsorg og sårbarhet, men også om håp og mulige fremtider. Det er ikke rart at Ikemura i dag er en av de mest særegne stemmene innen internasjonal samtidskunst.
Biografi om Leiko Ikemura: fra Tsu til Berlin via Sevilla og Sveits
Født i 1951 i Tsu, i Mie prefektur (Japan)Leiko Ikemura vokste opp nær kysten, noe som for alltid ville prege hennes forhold til horisonten, havet og naturen. Før hun viet seg helt til kunstnerisk skapelse, studerte hun spansk litteratur ved Osaka University of Foreign Studies mellom 1970 og 1972, noe som allerede varslet hennes tidlige tilknytning til spansktalende kultur.
Tidlig på syttitallet flyttet Ikemura til Spania, hvor han studerte ved Santa Isabel de Hungría høyere kunstskole i Sevilla Mellom 1973 og 1978 var denne perioden i Sevilla nøkkelen til å befeste hans kunstneriske utdannelse og konfrontere sin japanske bakgrunn med europeisk kunst. Kort tid etter, på slutten av syttitallet, flyttet han til Sveits, hvor han startet sin kunstneriske karriere i en kontekst som var svært forskjellig fra den japanske og spanske.
Siden 1980-tallet har han hovedsakelig bodd i Tyskland. I Berlin har Ikemura utviklet en grunnleggende del av sin undervisning og kreative karriere. Mellom 1991 og 2011 var hun professor i maleri ved Universität der Künste (UdK), en av landets viktigste kunstinstitusjoner. Senere utvidet hun sin akademiske erfaring som gjesteprofessor ved Joshibi University of Art and Design i Japan, og koblet dermed nok en gang sammen de to verdenene hennes.
Gjennom hele karrieren har Ikemura mottatt gjentatt anerkjennelse. I 2001 vant han Tyske kritikerpris for visuell kunst, tildelt av den tyske kritikerforeningen, og i 2008 ble hun tildelt August Macke-prisen i Hochsauerlandkreis, Tyskland. Verkene hans har blitt presentert i toppinstitusjoner som Neue Nationalgalerie i Berlin, Kunstmuseum Basel, National Art Center i Tokyo og MOMAT i den japanske hovedstaden.
Med dobbelt japansk og sveitsisk statsborgerskap bor og arbeider kunstneren for tiden mellom Berlin og KölnMed én fot i den germanske sfæren og den andre på en internasjonal arena som har ført henne til å stille ut i Europa, Asia, Midtøsten og USA, går denne livsreisen, preget av migrasjoner, språkendringer og kulturkollisjoner, gjennom alt arbeidet hennes som en tilbakevendende tråd.
Fra den japanske billedtradisjonen til den mystiske vendinga i Engadin
Leiko Ikemuras maleri er umiddelbart gjenkjennelig for sitt palett av myke, nyanserte og ofte dampende tonerDet er en tydelig gjenklang i hennes arbeider av tradisjonell japansk maling av mestere som Sesshū, Itō Jakuchū og Hokusai. Ikemura erkjenner sin gjeld til denne arven, spesielt når det gjelder evnen til å syntetisere former, overflatenes sensualitet og viktigheten av tomrom og skygger.
En av ideene den henter fra japansk estetikk er fascinasjonen for natten, skumringen og mørketIfølge henne blir dette aspektet ofte forvist i den vestlige kanon, som er mer fokusert på klart lys og absolutt synlighet. I lerretene hennes er de skyggefulle områdene ikke bare bakgrunner, men rom ladet med energi, steder der figurer sakte synes å dukke opp eller oppløses.
På 1980-tallet falt noe av arbeidet hans fortsatt innenfor en neoekspresjonistisk kontekst, preget av mer aggressive gester og intense kromatiske tettheter. På begynnelsen av 1990-tallet bodde imidlertid Ikemura i nesten et år i Engadinfjellene, SveitsOg denne retretten markerte et vendepunkt i hennes forståelse av maleri. Den intime og langvarige kontakten med det alpine landskapet førte til at hun gradvis forlot neoekspresjonistiske koder og søkte en mer mystisk og åndelig forbindelse med naturmiljøet.
Fra det øyeblikket av, i stedet for å fokusere på å demonstrere tekniske ferdigheter eller fremheve åpenbart kunstnerisk innhold, begynte han å utforske forholdet mellom den indre verden og bildene som vises på lerretetEt veldig tydelig eksempel på dette stadiet er verkene hans i serien Landskap med Fuji-fjellethvor det ikoniske fjellet blir en symbolsk akse som støtter et flytende terreng, midt mellom minne og visjon.
Dette skiftet mot en roligere, men følelsesladet malestil er også kimen til hans forståelse av landskapet som noe mer enn en representasjon av omverdenen: det er et rom der minne, kropp, natur og myte flettes sammen på en skiftende overflate.
Motherscape på Albertina i Wien: morsrollen, identiteten og forandringen
En av de mest ambisiøse utstillingene dedikert til Ikemura til dags dato er «Motherscape» på Albertina i WienÅpent for publikum frem til 6. april 2026. Denne utstillingen samler et bredt utvalg av lysende malerier, økonomiske tegninger og skulpturer laget av ulike materialer, som glasert terrakotta, glass og bronse, for å ta opp temaer med universelt omfang: femininitet, forandring, identitet eller forholdet mellom menneskehet og natur.
Tittelen «Motherscape» spiller på ideen om et «morskapslandskap», et mentalt og emosjonelt rike der Mors styrke er ikke begrenset til biologisk morsrollenSnarere forstås det som en kreativ, nærende og transformerende energi som er tilstede i alle levende vesener. Fra dette perspektivet slutter morsrollen å være en rolle begrenset til et kjønn og blir en metafor for kunstnerisk fantasi og evnen til å gi næring, føde og frembringe nye former for liv og tanke.
Utstillingen er organisert i flere seksjoner som lar besøkende følge Ikemuras tilbakevendende motiver. Blant disse skiller følgende seg ut: hybride vesener som smelter sammen menneskekropper med elementer i landskapetfremkaller en nær forbindelse mellom mennesker, dyr, planter og miljøet. I disse figurene blir grensen mellom hud og jord, mellom hår og bladverk, eller mellom lemmer og bølger porøs.
Utstillingen inkluderer rundt førti verk, inkludert malerier, skulpturer og assemblager, og demonstrerer Ikemuras interesse for en uttrykksfullhet som opprettholdes både av delikatessen i kromatiske nyanser og den stille kraften i hans skulpturelle former. Morsrollen dukker opp igjen og igjen, men omtolkes som livskraft som gjennomsyrer kropper og landskapikke som et konvensjonelt bilde av mor og barn i en hjemmesituasjon.
Landskap som kroppslige rytmer og rom i transformasjon
Innenfor «Motherscape» og i hennes verker samsvarer ikke Ikemuras landskap med en klassisk oppfatning av sjangeren. Hun beskriver dem selv som «kroppsrytmer og bølgende bevegelser som skaper rom»Naturen er ikke representert som noe som er fiksert overfor et ytre blikk, men som en forlengelse av ens egen kropp og dens hjerteslag, åndedrag og tilstandsendringer.
Maleriene hans er fulle av gjennomskinnelige lag med farge De overlappende lagene skaper en følelse av levende tåke. De myke overgangene mellom lys og skygge gjør nesten figuren og bakgrunnen uskarp, slik at det ikke lenger er tydelig hvor kroppen slutter og landskapet begynner. Denne uskarpheten forsterker ideen om en fusjon mellom interiør og eksteriør.
Lys- og fargespekter er grunnleggende når man konstruerer disse billedlige rommene. Bruken av gradienter, glasurer og svært subtile fargeområder muliggjør samspillet mellom abstraksjon og figurasjon. er koblet sammen på samme overflateVi finner ikke skarpe omriss, men snarere former som intueres, dukker opp, bretter seg tilbake eller oppløses, og genererer en avgrenset, men konstant dynamikk.
I mange av disse scenene er horisonten knapt antydet, eller den formerer seg i bølgende linjer som minner om kystlinjer, fjell eller rolig hav. Betrakterens blikk veksler mellom å gjenkjenne menneskelige trekk, profiler av jenter eller dyr, og samtidig å oppfatte helheten som et sammenhengende, nesten organisk landskap.
Denne måten å forstå landskapet på, dypt knyttet til kroppen og til forandring, er også i tråd med en animistisk visjon av verden, der ethvert naturelement besitter sin egen indre natur og energi. Maleriet blir dermed et kraftfelt snarere enn et vindu inn til en stabil scene.
Kvinnefigurer og jenteseksjonen: sårbarhet, ønske om forandring og utviklende bevissthet
Et av de mest slående verkene til Ikemura er hans kvinnelige figurer i transformasjonsprosessen, mange av dem gruppert under overskriften jenterDisse jentene og unge kvinnene er ikke portretter av spesifikke personer eller naturalistiske representasjoner; snarere fungerer de som legemliggjørelser av tilblivelse, av usikkerhet, av ønsket om forandring og av en sinnstilstand i fullt kaos.
Figurene følger ikke en lukket fysiognomi: ofte fremstår kroppene deres som halvt oppløste, åpne, ufullstendige eller i bevegelse. Denne mangelen på definisjon innebærer ikke skjørhet i negativ forstand, men snarere en fysisk og emosjonell åpenhet noe som avslører deres sårbarhet, deres håp og deres forventninger. De er ikke ferdige karakterer, men vesener i utvikling, gjennomsyret av fluktuerende følelser.
Innenfor denne gruppen utfolder det seg flere arketyper, som Ikemura tolker på nytt på sin egen måte. Det er urjentesom aldri helt finner en fast form og forblir i en konstant tilstand av svangerskap. Det finnes også figurer av jenter eller kvinner som legemliggjør morspotensial utover kulturelle roller, og andre som inntar et høyt, nesten åndelig, synspunkt, og observerer verden ovenfra.
Disse sistnevnte figurene, som observerer virkeligheten fra en viss avstand, ser ut til å fungere som tause vitner til det som skjer nedenfor: kriger, økologiske kriser, sosiale endringer, og samtidig små gester av omsorg og motstand. I alle disse variasjonene konfronterer jentene i Ikemura omgivelsene sine direkte, selv når formen deres er ustabil.
Parallelt skildrer mange av skulpturene som faller innenfor det feminine området tilbakelente eller tilbaketrukne kropper, i et slags intervall mellom traume og ro. De er ikke så mye scener med idyllisk hvile som bilder av det et øyeblikk av stillhet som kommer når smertebølgen avtar littDette er spesielt relevant i tiden etter pandemien og i lys av de siste miljøkatastrofene.
Konstant tilblivelse: åpent arbeid, tilfeldigheter og materialer som «snakker»
For Leiko Ikemura regnes ikke et verk som definitivt ferdig. I følge hennes egen oppfatning, Hvert maleri, hver skulptur og hver tegning er en del av en kontinuerlig prosessTilblivelse er ikke bare et representert tema, men et virkemåte. Metoden hans er intens, fysisk og intuitiv, oppmerksom på materialenes reaksjoner og åpen for tilfeldighetenes inngripen.
I skulpturene hennes brukes ikke leire, bronse eller glass som nøytrale støtter som lydig adlyder kunstnerens vilje. Ikemura insisterer på at hun ønsker at det skal være materialet som tar initiativetsom «snakker» og veileder henne. Leirens ruhet, glassets gjennomsiktighet eller bronsens patina bestemmer avgjørende den endelige formen, overflaten og uttrykket til figurene.
Dermed gir fargegraderingene, lysbrytningene på glasset, de ugjennomsiktige områdene og høylysene, sammen med de uregelmessige teksturene, verkene en levende, nesten pulserende tilstedeværelse. Parallelt, sprekker, brudd og fingeravtrykk De forblir synlige og dokumenterer den kreative prosessen som en uatskillelig del av det ferdige verket. Det er ingen utvisking av arrene etter verket, men snarere en gjenvinning av dem.
I tegningene, pastellene og papirarbeidene hennes manifesterer denne tilblivelsen seg i linjeflyten, i motiver som dukker opp, oppløses og dukker opp igjen i forvandling. Formene er aldri helt lukkede; de presenteres som hypoteser, som foreløpige tilstander av noe som kan fortsette å forandre seg.
Oppsummert, for Ikemura er gradvis transformasjon også en fysisk og kroppslig opplevelseKunstnerens kropp, hennes gester, hennes pust, alt spiller en rolle i å forme hvert strøk, hvert avtrykk i leiren, eller hvert lag med pigment. Verket forblir dermed som et øyeblikksbilde i en større prosess som i teorien kunne fortsette.
Essens: forbindelser mellom mennesker, dyr og trær
En annen viktig del av utstillingen på Albertina, med tittelen Essens, samler seg sammenflettede menneskelige, dyre- og plantestrukturersom peker mot en verden der alt er sammenkoblet. Ikemura oppfatter dyr som «åndelige vesener med sin egen emosjonelle energi» og betrakter trær som organismer som ofte overlever mange menneskelige generasjoner, og bevarer et minne om tid.
I denne forbindelse bruker skulpturene hans ofte permeable former, med hulrom som slipper gjennom lys og luft. Mange former er ikke solide, men har heller hulrom eller passasjer som innlemmer det omkringliggende rommet som en del av verket. Denne materialets permeabilitet antyder en åpen sameksistens mellom figur, lys og miljø, i stedet for et isolert objekt lukket inne i seg selv.
De avrundede, myke silhuettene i mange av disse verkene minner om frukt, åser, frø eller dyr som sitter på huk. Målet er ikke så mye å skulpturere et presist identifiserbart vesen, men snarere å hentyde til naturlige konfigurasjoner som synes å kunne utvikle seg i forskjellige retninger. Nok en gang ligger motivet om å bli under overflaten.
I denne sammenhengen er innflytelsen fra et helhetlig verdensbilde tydelig: mennesket fremstår ikke som det absolutte sentrum, men som enda en node i et komplekst nettverk av forhold til fauna, flora og elementene. Spiritualitet her er ikke abstrakt; det manifesterer seg i kroppenes konkrete form og i deres måte å integreres med rommet på.
Hybride skulpturer og den liggende kroppen som møter traumer
Blant Ikemuras mest gjenkjennelige skulpturer er flere figurer med subtile fargede patinaer, mange av dem i liggende stillingsom om de fløt eller sank på linjen av en flytende horisont. Fire av disse delene—Dobbeltsifret, Liggende kattejente, Liggende jente y Kattejente med Usagi— de har utseendet til en jente, men samtidig ligner de åpne blomster, plantekropper eller dyrevesener.
Disse verkene forsterker ideen om fusjon av natur, dyr og planter i hybride skapninger som bebor et felles rom. Det er ingen skarp skilling mellom det menneskelige og ikke-menneskelige riket; alt deltar i en felles livssyklus, der kropper endrer form og funksjon.
I stedet for den vanlige liggende stillingen vises figurene med ansiktet ned eller på siden, noen ganger med hendene foldet foran brystet. Når hendene ikke dekker ansiktene – noe som ifølge Ikemura selv ville tjene til å viske ut individuell identitet – fremstår de som fast sammenføyd, som i en gest av kontemplasjon eller sekulær bønn.
Sammen gir disse liggende figurene form til en et numinøst øyeblikk av roEt øyeblikk av stillhet som senker seg etter at «traumebølgen» har lagt seg. Det er ikke et idyllisk paradis, men snarere den skjøre og usikre perioden der skadene har nådd toppen, men fremtiden fortsatt er usikker, en tilstand mange kjenner igjen etter den globale opplevelsen av pandemien.
I flere offentlige utstillinger – for eksempel ved vannet i den sørlige innsjøen Hemisfèric i Kunst- og vitenskapsbyen i Valencia – er disse skulpturene plassert på ovale pidestaller som får dem til å se ut som flytende figurer mellom vann og arkitekturDenne installasjonen, designet av arkitekten Philipp von Matt, forsterker følelsen av suspensjon og transitt.
Usagi-hilsen og den store utendørsutstillingen i Valencia
Kunst- og vitenskapsbyen i Valencia var vertskap for en av Ikemuras viktigste presentasjoner i Spania. Ved denne anledningen viste de frem seks skulpturer av kunstneren, inkludert den enorme Usagi-hilsen, installert på Hemisfèric-sjøen frem til mars 2022. Verket representerer en hare-bodhisattva, forstått som «alle eksistensers mor», en beskyttende figur med en markant åndelig komponent.
«Usagi Hilsen» er et hybridvesen, hult inni, med en åpning foran i skjørtet og lange ører som fungerer som antenner pekte mot universetDe buddhistiske konnotasjonene er sammenflettet med et moderne bildespråk som forbinder skulpturen med ideen om overføring, lytting og omsorg for alle livsformer.
Ved siden av denne store, oppreiste figuren ble det utstilt andre verk, som f.eks. Figur med tre fugler og de nevnte fire liggende figurene (Dobbeltsifret, Kattejente liggende, Liggende jente y Catgirl med Usagi), alle laget av bronse med lyse patiner. Den tilsynelatende enkle, men teknisk komplekse monteringen betydde at delene hvilte på elliptiske baser som fikk dem til å se ut som om de svevde over vannoverflaten.
Dette tiltaket ble unnfanget som en del av en forpliktelse fra Kunst- og vitenskapsbyen til Offentlig kunst og dialogen mellom vitenskap, natur og skapelseDen gratis tilgangen tillot enhver besøkende å uventet støte på skulpturene, uten å måtte gå inn i et museum, noe som skapte en åpen og hverdagslig opplevelse av kontemplasjon.
Det samme settet med verk, under tittelen «HERE WE ARE», har også reist til andre offentlige rom, som Puerto Banús i Marbella, i 2022, og forsterket den omreisende og ekspansive dimensjonen til denne familien av hybridskulpturer.
Usagi Kannon: Atomkamp, medfølelse og syklusen av ødeleggelse og skapelse
Blant Ikemuras ikoniske verk skiller følgende seg ut: Usagi KannonEn monumental skulptur (i en av sine varianter, kjent som USAGI KANNON (340), 2012/24) som kombinerer menneskelige og animalske trekk med både buddhistiske og kristne referanser. Verket stammer fra en artikkel om en Kanin født med misdannelser på grunn av en atomlekkasje etter det store jordskjelvet i Øst-Japan i mars 2011.
Figuren, med kaninører og et tårevått ansikt, fungerer som et symbol på universell sorg som ikke er begrenset til en nasjonal tragedie. Den legemliggjør bekymringer om fremtidens planet, om risikoen ved ukontrollert teknologisk utvikling og om menneskers og dyrs felles sårbarhet for miljøkatastrofer.
Samtidig, som en beskyttende kanin-bodhisattva, legemliggjør Usagi Kannon ideen om aktiv medfølelse og beskyttelse for alle skapninger. Skulpturen hentyder samtidig til lidelse og muligheten for omsorg, og understreker syklusen av ødeleggelse og skapelse som går gjennom jordens og menneskesamfunnenes historie.
Dette arbeidet har hatt en bemerkelsesverdig tilstedeværelse i parker og offentlige rom fra institusjoner som Sainsbury Centre Sculpture Park i Norwich, Georg Kolbe-museet i Berlin eller Kunstmuseum Basel, noe som forsterker dens rolle som et samtidsikon for sorg, minne og håp.
Lyset i horisonten: Utstilling på Heredium Museum, Sør-Korea
På Heredium-museet i Daejeon i Sør-Korea er Ikemura utstillingens stjerne. «Lys i horisonten»Dette er hans første store utstilling i et koreansk museum og den andre separatutstillingen for samtidskunst presentert av denne institusjonen, etter en retrospektiv utstilling av Anselm Kiefer. Her er temaet horisont, sentralt i kunstnerens arbeid.
Havet, som har vært til stede siden barndommen i Tsu, dukker opp igjen som et sentralt symbolsk miljø. Utstillingen nevner en episode der Ikemura, på togreise på Tokai-linjen, betraktet havhorisonten nok en gang med en spesiell intensitet, nesten som om det var første gang. Denne visjonen ble et uutslettelig merke og en fantasiens motor om andre mulige verdener utenfor linjen som skiller himmel og vann.
Heredium viser frem store malerier fra serien av Kosmiske landskapSom FØR TORDEN OG ETTER MØRKET (2014/17) eller SINUSFJÆR (2018). Disse verkene, hovedsakelig laget på 2010-tallet, uttrykker en animistisk verdenssyn av østlig opprinnelse, med bakgrunner av tilsynelatende uendelig rom og figurer som krysser grensene mellom menneske og dyr.
Overflatene er bearbeidet med et bredt utvalg av farger og naturlige materialer som hamp (brennesle) eller jute, noe som forsterker følelsen av ekspanderende og vibrerende fargede partikler. Formene antyder interiører som ikke kan forstås med øyet alene: det er en invitasjon til å forestille seg hva Den er ikke synlig, men den kan merkes på den andre siden av horisonten..
Selve Heredium-bygningen, et tidligere hovedkvarter for Oriental Development Company fra 1922, restaurert som et flerkulturelt kompleks, blir en del av diskursen: å se Ikemuras verk i et rom ladet med historisk og kolonial hukommelse fremhever ideen om å krysse mellom tider og kontekster, og om å utvide museets tradisjonelle grenser.
Glasskulpturer og nye former for hybridisering
Siden 2019 har glassskulpturer Disse verkene har fått betydelig betydning innenfor Ikemuras visuelle språk. De utforsker videre temaet hybriditet, og forbinder menneskekropper, dyr og naturlige former gjennom transparens og lysbrytning.
I disse verkene legemliggjør glass ideen om kryssing: materialet lar lys passere gjennom, fanger det, multipliserer det og fargelegger det, og genererer effekter som endres i henhold til betrakterens posisjon og belysningen. Kunstneren har forklart at hun følte en følelse av å observere hvordan lyset fanges inne i disse skulpturene. fornyet følelse av håp, som om disse små strålende kamrene var reservoarer av psykisk energi.
Figurene som dukker opp i glasset er vanligvis hybrider: verken helt menneskelige, eller helt animalske, eller enkle abstraksjoner. De fungerer som symboler på en grunnleggende sameksistens mellom ulike typer liv, der ingen form påtvinger seg de andre absolutt.
Disse glassverkene engasjerer seg også i tradisjonen med hellige eller rituelle gjenstander, uten å bokstavelig gjengi dem. Deres briljans, skjørhet og evne til å projisere farger inn i det omkringliggende rommet forsterker inntrykket av å være i nærvær av gjenstander som, selv om de ikke bare er figurative, er intenst ladet med mening.
Samlet sett utvider glassskulpturene Ikemuras formelle repertoar og utdyper hans søken etter en poetikken om gjensidig avhengighet mellom vesener, elementer og plan av synlig og usynlig virkelighet.
Leiko Ikemuras utstillinger og internasjonale tilstedeværelse
Siden tidlig på 1980-tallet har Ikemuras arbeider blitt vist i separat- og gruppeutstillinger over hele verdenI tillegg til de som allerede er nevnt i Wien, Basel, Tokyo, Daejeon eller Valencia, er det verdt å trekke frem utstillinger i institusjoner som Nordiska Akvarellmuseet i Skärhamn, Deutsches Keramikmuseum Hetjens i Düsseldorf, Nevada Museum of Art i Reno, Museum of East Asian Art i Köln eller Vangi Sculpture Garden Museum i Mishima.
I Spania, i tillegg til intervensjonen i Kunst- og vitenskapsbyen, Caja Burgos kunstsenter (CAB) I 2021 presenterte hun utstillingen «Even More Mornings», som utforsket dag- og nattdimensjonene i landskapene hennes, samt hennes metamorfoserende kvinnefigurer. Ikemura har også vært inkludert i prosjekter som utstillingen «ABSTRACTION / SIMULATION», som satte arbeidet hennes i dialog med andre samtidskunstnere.
Katalogene og intervjuene hennes – produsert av gallerier og museer som blant annet Galerie Michael Haas i Berlin, Galerie Samuel Lallouz og Kunstmuseum Basel – har bidratt til å forme en betydelig teoretisk refleksjon rundt hennes praksis, og tar for seg problemstillinger knyttet til kjønn, kulturell identitet, migrasjon, spiritualitet og økologi.
Ikemuras verker er en del av samlingene til en lang rekke ledende institusjoner: i tillegg til MOMAT i Tokyo og Nasjonalmuseet for kunst i Osaka, finnes de i Mumok (Museum Moderner Kunst Stiftung Ludwig) i Wien, Museum zu Allerheiligen i Schaffhausen, Kupferstichkabinett ved Staatliche Museen zu Berlin, Takamatsu bykunstmuseum, Centre Pompidou i Paris og mange andre offentlige og private samlinger.
Denne sterke internasjonale tilstedeværelsen forsterker hans posisjon som en kunstner som er i stand til å artikulere dypt lokale og samtidig universelle diskurserMed utgangspunkt i sin konkrete biografiske erfaring tar hun opp problemer som er utbredt i vår tid: den økologiske krisen, migrasjoner, kroppens skjørhet, behovet for omsorg og søken etter nye former for fellesskap.
Å se på Leiko Ikemuras verk betyr å gå inn i et territorium der menneskekropper smelter sammen med fjell, hav, blomster og dyr, der morsrollen utvides til en kreativ kraft som opprettholder livet, og der enhver form alltid er på randen av forandring. Blant bølgende landskap, jenter i transitt, beskyttende harer og glassskulpturer gjennomboret av lys, foreslår verkene hennes en en mer oppmerksom, mer åpen og mer medfølende måte å være i verden på, der grensen mellom natur og menneskehet oppløses til fordel for et nettverk av lenker i konstant bevegelse.